За ее плечами около 6 лет регулярной выставочной деятельности, успешное сотрудничество с авторитетными галереями и опыт освоения самых разных жанров. А еще абсолютно честный взгляд на профессию.

А начиналось все, как водится, с совпадения мелочей. Татьяна увлеклась живописью, осваивая совершенно непрофильную профессию индустриального дизайнера. Общаясь с опытными художниками, перенимала опыт и знания, чуть погодя, получила возможность немного поработать в мастерской, и вот - меньше, чем через полгода получила от небольшой галереи предложение сделать первую персональную выставку. Работы художницы, вошедшие в стартовую экспозицию, волей случая расположились рядом с творчеством Сергея Лаушкина и не только выдержали конкуренцию с известным именем, но и обрели первого своего покупателя. Для Татьяны это стало очевидным стимулом писать дальше. 

«Первые три года у меня проходило по одной персоналке в 6 месяцев. При этом я никогда не выпрашивала их. Просто так получалось», - рассказывает Татьяна.

- Персональная выставка два раза в год -  это считается много для художника?

- Я бы сказала, это неприлично много. Зависит от наработанного материала, конечно, и обычно художники делают персональные выставки один раз в пять лет. Я считаю, чтобы держать себя в тонусе, нужно экспонироваться раз в году. Главное - не гнаться за количеством, иначе страдает материал.

- То есть для того, чтобы сделать персоналку, нужно набрать определенное количество работ?

- Да, от 10 до 80 полотен. Зависит от выставочного пространства.

- И они должны быть абсолютно разными? 

- Сейчас как-то принято и модно мыслить проектами, поэтому чаще всего задается одна тема, и на нее художник пишет все картины. Сейчас, например, я закончила работу над домашней темой. И эта серия была представлена персональной выставкой в Петербурге.

- Что интереснее писать: пейзажи или работы с сюжетом?

- Одного без другого у художника обычно не бывает. Легче продаются, конечно, пейзажи и натюрморты. Но, если хочешь развиваться творчески, то сюжетные картины обязательно должны быть. Когда я пишу картину на библейский сюжет, например, или в целом не на самую веселую тему, то изначально знаю, что трачу время, деньги и силы на работу, которую, возможно, никто не решится повесить у себя в доме. А себестоимость холста достаточно высокая.

- Насколько?

- Около двух тысяч выходит на одну небольшую картину. Большие холсты, естественно, стоят дороже. Но я трачу эти деньги, даже если точно уверена, что работа не окупится, потому что мне интересно решать свои задачи.

- Но можно же продать работу за очень дешево и хотя бы окупить материалы?

- Художник вкладывает в картину свое время, проживает тему, поэтому отдавать работу за бесценок - слишком дорого для него. Чаще бывает, что лучше подарить, чем продавать дешево, или не продавать совсем. Я могу за невысокую цену выставить какой-нибудь пейзажик, на который потратила хотя бы меньше моральных сил. И он  даже быстрее найдет покупателя.

- То есть, если в одну цену выставить, например, большой холст с жанровой живописью и маленький пейзаж, то, скорей всего, первым купят пейзаж?

- Да, потому что у него есть шанс висеть дома. Но у любого художника со временем формируется какой-то круг коллекционеров, людей, которые не занимаются декораторством, а целенаправленно собирают коллекцию. Главное, что они оценивают в работе, - это глубину. И вот такие люди могут как раз купить жанровую работу.

- А кто еще, кроме коллекционеров, покупает сейчас картины?

- Дизайнеры интерьеров покупают живопись для своих клиентов. Могут из коммерческих соображений приобретать произведения искусства частные инвесторы, рассчитывающие затем умножить свои вложения. Но это больше относится к творчеству известных художников. Некоторые люди покупают картины просто из любви к искусству. Это собиратели.

- Есть просто обычные люди, которые увидели картину, купили ее и не преследовали при этом никакой цели? Купили просто потому, что понравилась.

- Есть, и их немало. Сейчас вообще увеличилось количество людей, которые постерам предпочитают живопись. Но опять же эти покупатели обращают внимание в основном на интерьерную живопись.

- Получается, выгоднее писать салонные работы.

- Да, но я все же считаю, что, если художник, особенно молодой, ставит своей целю обогащение, то ему не сюда вообще (смеется). Пусть он идет в дизайн или иллюстрацию, потому что ждать, что ты, не достигнув зрелого возраста, заработаешь миллионы, не стоит. И даже салонной живописью, которой и самой-то миллион, больших денег не заработаешь.

- И как тогда выжить художнику в современном мире?

- В советские годы андеграундные художники работали грузчиками и рисовали вывески, а в свободное время писали. Сейчас попроще. Я вот работаю на фрилансе дизайнером.

- То есть, если художник умеет только писать, то, ему, скорей всего, не выжить?

- Художник — это некоммерческая специальность. И если кто-то думает, что он такой гениальный сейчас начнет писать картины и через пять лет станет богатым и знаменитым, пусть забудет об этом. Таких авторов на всю страну десяток человек. Они действительно в 25 лет своей живописью могут что-то зарабатывать.

- И кто эти люди?

- Это, прежде всего, талантливые авторы, оказавшиеся в нужное время в нужном месте.

- А как, кстати, отличить работу молодого художника от зрелого?

- В мае у меня прошла персональная выставка в Творческом союзе художников в Петербурге, на Невском, 60, и люди, которые не знали меня, отзывались о картинах как о работах художника в возрасте «около 40». Я считаю это большим комплиментом, который как раз указывает на зрелость моих картин. 

В целом возраст художника можно определить по совокупности факторов: сюжету, композиции, работе с цветом, сложности лессировок, уверенности мазка. А еще есть лично мое смешное наблюдение: почти все начинающие художники по началу очень любят работать мастихином. Это такая металлическая лопатка, которой накладывают краску.

-Почему?

- Наверное, потому что все знают про кисти, а про мастихин нет. И эта техника становится баловством и одновременно способом повыпендриваться. Но не у многих эти навыки действительно развиваются: попробовали, порадовались и на этом закончили. Однако есть взрослые крутые художники которые используют этот прием мастерски. Когда я говорю взрослые, то имею ввиду возраст после 40 лет. Мне кажется, только к этому рубежу начинаешь что-то понимать в живописи.

- Хорошо. А если вычислять опыт художника по мазкам?

- С опытом живопись становится более сложной. Раньше, например, я взяла бы черную краску, добавила белила, намазала серым, и мне бы уже все нравилось. Сейчас я получаю серый цвет, взяв краплак, охру и кобальт. Мне уже не интересен просто гладкий мазок или плотный красочный слой — я создаю более сложные фактуры. Иногда можно по два месяца лессировать (накладывать краску тонким жидким слоем) одну картину или, например, протирать наждачной бумагой красочный слой.

- Какова сейчас средняя цена картины?

- Если совсем средняя-пресредняя, то около 30 тысяч рублей. Лично я продаю маленькие холстики по цене от 10 тысяч рублей. И опять же цена зависит от того, насколько я привязана к работе.

- Это тоже влияет на цену?

- Это неправильно, но да. Художник всегда любит какие-то картины больше, а какие-то меньше. А какие-то и вовсе откажется продавать.

- Как вообще формируется цена на картину? Исходя из каких критериев? Себестоимость и еще что-то?

- Себестоимость обычно не играет вообще никакой роли в ценообразовании, если дело касается искусства, потому что это не колбаса. Цена складывается, во-первых, из качества картины, во-вторых, из имени художника и списка престижных мест, в которых он выставлялся, в-третьих, из наличия профессиональных наград и званий. Например, молодой художник, который только начинает писать, может продавать свои холсты по тысяче рублей, и это не будет значить, что они плохие. Просто ему не хватает пары составляющих, которые я перечислила. Но, спустя время, эта же работа, стоившая тысячу рублей, вырастет в цене в 50 раз, если автор во многих местах выставлялся, заработал награды и имя.

- Ну а конкретная цена как рождается?

- Если говорить о жанровой живописи, то стоимость картины определяется в сравнении с другими мастерами и навскидку. У художников, которые пишут пейзажи и натюрморты, все проще — условно говоря, они считают за квадратный метр картины.

- Какие картины точно не стоит покупать, если рассматриваешь покупку как инвестицию?

- Как бы это абсурдно ни звучало, не надо покупать картины, которые были написаны специально на продажу - реалистичные пейзажи, букеты сирени и подобную салонную живопись низкого качества. Они не вырастут в цене никогда.

- Зрительский уровень — сегодня проблема для художника?

- Да. Мы никак не можем привыкнуть, что закончилось советское время, когда создавалось искусство «чтоб было понятно людям», рассчитанное на пролетариев, а никак не на образованную интеллигенцию. Сегодня, когда люди приходят на выставку актуального искусства и начинают возмущаться, что им ничего не понятно, главная проблема — объяснить зрителю, что непонятность искусства — это именно его проблема, а не художника. Значит, где-то есть пробел, который нужно восполнить. Возможно, надо что-то почитать или послушать лекции. Если человек не хочет, значит ему это просто не надо, проживет спокойно и без этого. Живут же люди и без высшего образования.

- Хорошо, а как тогда понять, что смотреть и где? Выставок много, площадок тоже. Показывают разное. Все подряд смотреть?

- Нет, конечно. Надо смотреть хороших художников. Внимательно смотреть и усложнять то, что видишь, тогда твой уровень как зрителя будет расти. Начали с Репина, а потом постепенно и до Кандинского дошли. В пространствах музеев это сделать проще — там произведения прошли испытание временем и уже оценены экспертным сообществом. 

Чтобы научиться понимать современный арт, надо для начала усвоить традиционное искусство. В этом смысле идеально задачу решает Евразийский фестиваль современного искусства, который прошел в Екатеринбурге в июле этого года. Я выступила куратором в этом проекте и очень довольна результатом — это, кроме всего прочего, действительно отличный образовательный проект для людей. На площадке фестиваля были представлены лучшие художники со всей страны, работающие в традиционных жанрах: живописи, скульптуре и графике. ЕФСИ как раз демонстрирует зрителю как выглядит искусство художников-современников. Причем совершенно разных, представлявших Ленинградскую, Московскую, Саратовскую, Казанскую, Нижне-Тагильскую художественные школы. Увидеть все это в одном пространстве очень полезно зрителю, который хотел бы развиваться. 

© Интернет-журнал «Global City» Надежда Плотникова